начиная с 1953 года, компания RCA Victor выпускала серию RCA Living Stereo. Эта серия включает в себя совершенные, для своей эпохи, записи великих исполнителей, оркестров и дирижеров. Диски этой серии обычно аудиофильского качества.
Первоначально, RCA использовали для монофонической записи магнитофоны RT-21 и магнитную ленту четверть дюйма на скорости 30 дюймов в секунду, микрофоны Neumann U-47 и M-49/50. Позднее, для создания стереофонических записей, они перешли на магнитофоны Ampex 300-3 с лентой полдюйма на скорости 15 дюймов в секунду (в дальнейшем скорость была увеличена до 30 дюймов в секунду). Именно эти записи с логотипом "Living Stereo" и были первоначально выпущен в 1955 году на катушках, а затем, начиная с 1958 года, на виниловых пластинках.

замечательная запись живого исполнения салонной классики, уникальная по художественным особенностям и колориту

В 1951, под руководством звукоинженера C. Robert (Bob) Fine и звукорежиссера David Hall, в Mercury Records начали использовать одномикрофонную технику записи для симфонических оркестров. Музыкальный критик газеты Нью-Йорк Таймс, Говард Тобмен описал звук Mercury Records на «Картинах с выставки» как "присутствуешь на живом выступлении оркестра", и Mercury Records начал выпускать свои классические записи под лозунгом «Living Presence».
В конце 1955, Mercury Records начал использовать 3 всенаправленных микрофона, чтобы сделать записи стерео. В 1961, Mercury изменил технику записи стерео с тремя микрофонами и стали использовать 35-миллиметровую магнитную пленку, вместо ленты 12 мм. Большая толщина эмульсии, ширина дорожки и скорость (90 футов в минуту или 18 дюймов в секунду) 35-миллиметровой пленки, увеличили качество записи. Записи этой серии продолжались до 1968 г.
В 2013 г., "Decca", текущий владелец лейбла Mercury Living Presence, выпустила бокс-сет «MERCURY LIVING PRESENCE. The Collector's Edition Vol.2» с 54 компакт-диском. При переиздании записей Living Presence на компакт-дисках никакое цифровое микширование или шумоподавление не использовались. Это издание - настоящий экскурс в историю звукозаписи классической музыки.

В 1951, под руководством звукоинженера C. Robert (Bob) Fine и звукорежиссера David Hall, в Mercury Records начали использовать одномикрофонную технику записи для симфонических оркестров. Музыкальный критик газеты Нью-Йорк Таймс, Говард Тобмен описал звук Mercury Records на «Картинах с выставки» как "присутствуешь на живом выступлении оркестра", и Mercury Records начал выпускать свои классические записи под лозунгом «Living Presence».
В конце 1955, Mercury Records начал использовать 3 всенаправленных микрофона, чтобы сделать записи стерео. В 1961, Mercury изменил технику записи стерео с тремя микрофонами и стали использовать 35-миллиметровую магнитную пленку, вместо ленты 12 мм. Большая толщина эмульсии, ширина дорожки и скорость (90 футов в минуту или 18 дюймов в секунду) 35-миллиметровой пленки, увеличили качество записи. Записи этой серии продолжались до 1968 г.
В 2012 г., "Decca", текущий владелец лейбла Mercury Living Presence, выпустила бокс-сет «MERCURY LIVING PRESENCE. The Collector's Edition» с 51 компакт-диском. При переиздании записей Living Presence на компакт-дисках никакое цифровое микширование или шумоподавление не использовались. Это издание - настоящий экскурс в историю звукозаписи классической музыки.

Произведения Мусоргского и Равеля в исполнении Нью-Йоркского Филармонического Оркестра под управлением Джузеппе Синополи на Немецком Граммофоне.

Эти записи давно известны, выходили на EMI, принципиальной разницы в звуке Membran нет, качество неплохое. Адресуюсь тем , кто незнаком с Липатти, одним из величайших пианистов 20 века.

Любителям шорохов, шумов, нежного шелеста тихо вращающихся в пыльном углу пластинок и блестящих интерпретаций старых мастеров, если оные (любители) здесь есть, посвящается. Аудиофилам вход не рекомендуется. Относительно свежий диск на очень интересном лейбле - Dutton, - специализирующемся на исторических записях. В данном случае восстановлены записи, выходившие на Decca. Замечательный ремастеринг, на мой неискушенный взгляд, - пластиночная теплота, специфичная ворсистость, глубина и богатство звука удивительным образом сохранены. В сети приходилось видеть и недовольный отзыв на один из дисков работы мастерской Dutton`a от меломана, также занимающегося оцифровкой винила и знакомого с оригиналом. В любом случае – вам слушать и решать. Если грубо, для сугубо внутреннего потребления, представить тучи дирижеров, размещенных по сортам, рядам и классам, то Ван Бейнум, конечно, занимает самую верхнюю строчку. Ну, собственно, все и так знают, что это дирижер из когорты великих.

Сэр Джон Барбиро́лли (англ. John Barbirolli, при рождении Джова́нни Батти́ста Барбиро́лли, итал. Giovanni Battista Barbirolli; 2 декабря 1899, Холборн, Камден, Лондон, Англия, Британская империя ― 29 июля 1970, Лондон, Англия, Великобритания) ― британский дирижёр и виолончелист итальянского происхождения.
В репертуаре Барбиролли были преимущественно сочинения поздних романтиков, и почти не было современной музыки, за исключением произведений Бриттена, чьи Скрипичный концерт и Симфония-реквием под управлением Барбиролли были исполнены впервые. Он тажке с успехом исполнял музыку Элгара, Делиуса и Воана- Уильямса (последний посвятил Барбиролли свою Восьмую симфонию), Брукнера и Малера. В качестве оперного дирижёра Барбиролли выступал сравнительно редко.
Первые записи Барбиролли (ещё как виолончелиста) относятся к 1911 году, последние ― за несколько месяцев до смерти. Среди его лучших записей ― сочинения Элгара: Виолончельный концерт (с Жаклин Дю Пре), симфонии, сюита «Сон Геронтия». Барбиролли переложил для струнного оркестра ряд сочинений Пёрселла и других композиторов, а также написал концерты для гобоя с оркестром на темы Корелли и Перголези. Дирижёр награждён Золотой медалью Королевского филармонического общества (1950).
Среди осуществлённых записей — произведения Иоганнеса Брамса (все симфонии), Густава Малера, Яна Сибелиуса (все симфонии), Эдварда Элгара и др.

Французский дирижер и композитор русского происхождения. «Лучше, чем написал автор, сыграть невозможно» — таков девиз Игоря Маркевича. Это давало и дает некоторым слушателям повод упрекать Маркевича в недостаточно ярко выраженной индивидуальности, в отсутствии своеобразия на эстраде, в излишнем объективизме. Но с другой стороны, многое в его искусстве отражает характерные тенденции развития исполнительского искусства наших дней. Это верно подметил Г. Нейгауз, писавший: «Мне кажется, он принадлежит к тому типу современного дирижера, для которого произведение и его исполнители, то есть оркестр и оркестранты, более важны, чем он сам, что он прежде всего служитель искусства, а не повелитель, диктатор. Такое поведение — очень современное явление. Время, когда титаны дирижерского искусства прошлого, с точки зрения просвещенного академизма («надо прежде всего исполнять верно»), иногда позволяли себе вольности — стихийно подчиняли композитора своей творческой воле,— это время ушло... Итак, я причисляю Маркевича к тем исполнителям, которые не стремятся себя выставить напоказ, но расценивают себя приблизительно как «первого среди равных» в оркестре. Обнимать духовно много индивидуальностей — а этим искусством Маркевич безусловно владеет — всегда является доказательством большой культуры, таланта и ума».

Карло Мария Джулини (итал. Carlo Maria Giulini; 9 мая 1914, Барлетта ― 14 июня 2005, Брешиа) ― итальянский дирижёр. Учился в Академии Святой Чечилии в Риме у Реми Принчипе (альт) и Алессандро Бустини (композиция), затем у Бернардино Молинари (дирижирование, окончил в 1941). C 1934 года играл на альте в оркестре Аугустео, которым в то время дирижировали Вильгельм Фуртвенглер, Отто Клемперер, Бруно Вальтер, Виллем Менгельберг; в 1944 дебютировал с этим же коллективом как дирижёр, два года спустя возглавил оркестр Римского радио, с которым исполнял редкие сочинения А. Скарлатти, Малипьеро и других итальянских композиторов

В 1950 Джулини впервые выступает в опере, продирижировав «Травиатой» в Бергамо, и в этом же году основывает оркестр Миланского радио. На молодого дирижёра обращают своё внимание Артуро Тосканини и Виктор де Сабата, и по рекомендации последнего Джулини принимают в театр «Ла Скала», где в 1953 он становится главным дирижёром (до 1956). В «Ла Скала» Джулини осуществил ряд премьер, в том числе новой редакции оперы Монтеверди «Коронация Поппеи», «Замка Герцога Синяя Борода» Бартока и «Свадебки» Стравинского. В эти годы дирижёр сотрудничает с певицей Марией Каллас, режиссёрами Лукино Висконти и Франко Дзеффирелли, выступает на симфонических концертах.